Общедоступное искусство Америки
Законодательницей новых направлений и стилей искусства конца 19 – начала 20 века, безусловно, была Франция. Однако для европейских художников, как, впрочем, и для американских, выставочным клондайком стала Америка. С 1916 г. активизируют свою деятельность художники-дадаисты (дада – бессмысленный детский лепет), в частности французский художник Марсель Дюшан. Он выставляет обычные предметы, закрепляя за ними названия и ставя свою подпись. Назывались эти предметы реди-мейд, что в переводе с английского значило «готовый продукт» – определение, принятое в готовой рекламе. Первым таким экспонатом стало «Велосипедное колесо на табурете». Слава про художника постепенно разнеслась по всему миру. Символом дадаизма стала пресловутая «Мона Лиза с усами».
Один из «смелых» сторонников метода спонтанного автоматизма Джексон Поллок, отказавшись от подрамника, раскладывал полотно на полу и просто разбрызгивал краску из тюбиков и банок. Эту технику назвали капанием, или разбрызгиванием. Краска появлялась на полотне как след свободного движения руки. Считалось, что бессознательное действие отражает характер и психологическое состояние художника. Но в работах Поллока ощущалась определенная декоративность в распределении красок. За этим новым направлением закрепилось название «абстрактный экспрессионизм». Характерной его особенностью была большая величина работ. Например, Марк Ротко создавал монументальные полотна. Он закрашивал определенные плоскости, оставляя между ними незакрашенные и предлагая зрителям «активизировать свое воображение» и домыслить то, что не нарисовано.
Одним из самых любимых направлений американского искусства стал поп-арт. В 1955 г. на «Фестивале двух миров» в Италии были показаны зрителям кровать с подушкой и одеялом, покрашенные масляной краской, – творение американского художника Роберта Раушенберга. Экспонат вызвал бурю негодования. Именно Раушенберг обратил внимание на удивительные возможности техники коллажа. В своих произведениях он использовал различные материалы: веревки, обои, чучела птиц. Частично написанные, частично скомбинированные из обычных предметов, они были названы художником «комбинациями». Позднее Раушенберг увлекся шелкографией и созданием копий произведений известных европейских художников («Венера перед зеркалом» Веласкеса, «Туалет Венеры» Рубенса). Соединяя разные техники, он создавал «конструкции» из прозрачных тканей – марли, шелка.
В экспозиции поп-арта мог быть продемонстрирован любой предмет: ведро для мусора, бутерброд, чучело птицы. Самым известным произведением поп-арта стала консервная банка с супом американца Энди Уорхола. Отстаивая свои идеи, он говорил: «Почему вы считаете, что холм или дерево красивее газового насоса? Только потому, что это для вас привычная условность. Я обращаю внимание на абстрактные свойства вещей». Уорхол открещивался от высокого искусства, называя свою мастерскую «Фабрикой».
Поп-арт утверждался, в отличие от дадаизма, в те времена, когда средства массовой информации стали в огромной мере влиять на развитие искусства и культуры. Информация стала доступной абсолютно всем. Поп-арт пользовался знакомыми предметами и понятиями. Самый обычный предмет, который человек каждый день видел в своей комнате, установленный в выставочном зале, приобретал совсем другое значение. Еще один «магический прием», используемый творцами поп-арта – это многократное повторение изображения. Тот же Уорхол «тиражировал» изображения тары для кока-колы, лицо Мэрилин Монро, Элвиса Пресли на огромных щитах, похожих на рекламные. Магия таких работ заключалась в том, что любой объект, заинтересовавший художника, становился обычным, «легко прочитываемым».
Граффити – такое название получили картины на стенах самых опасных и самых грязных кварталов и метрополитенов в Нью-Йорке. Как проявление бунтарской культуры андеграунда этот вид искусства стихийно развивался под ритмы рэпа и брейк-данса. Официально граффити было признано тогда, когда художник Стефан Айнс открыл галерею альтернативного искусства в южном Бронксе в Нью-Йорке. Кстати, создавать граффити для экспозиции ему помогали и местные уличные «мастера». Вскоре граффити заняли определенное место и в эксклюзивных галереях Нью-Йорка, утратив свою агрессивность, сполна выраженную на стенах бедняцких кварталов. Заполонили они и стены непрестижных кварталов почти всех городов Европы.
Еще одно направление среди «изобретений» американского искусства – концептуализм («мысль», «представление»). Появился он в середине 60-х гг. прошлого века одновременно в Англии и Америке и очень быстро стал одним из ведущих направлений современного искусства. Концептуалисты утверждали, что единственное задание художника в современном мире – это создание идей, или концепций: форма может быть сделана любым ремесленником, но придумывает ее только мастер-художник. Иллюстрирует это творение американского концептуалиста Джозефа Кошута, состоящее из одной неоновой надписи: «Пять слов из оранжевого неона». Зрителю, если он настроен на размышления, предлагается вспомнить свои ощущения от всех увиденных неоновых надписей, легкого мерцания теплого света. Хотя ассоциации могут быть любые, никто никому ничего не навязывает, поскольку в концептуализме важно не само изображение, а его значение.
Концептуализм интеллектуален, в определенной степени ироничен, в нем выражается протест против продажности искусства, поскольку его творения невозможно (да и бессмысленно) ни продавать, ни покупать. Идеи совсем необязательно запирать в выставочных залах. Концептуальным объектом может стать как пляж, так и известный архитектурный или скульптурный памятник. Наблюдая за его созданием, зритель становится соавтором, поэтому сам процесс приобретает более важное значение, чем результат. Этот принцип был заложен и в так называемое процессуальное искусство.
